Museale Sehgewohnheiten irritieren? Anmerkungen zu zwei aktuellen Basler Ausstellungen.

Wie realisieren Museen heute ihre Ausstellungen, welche Displays, Formate der Vermittlung und textuellen Rahmungen wählen sie, um die Objekte und damit verbundenen Diskurse einem öffentlichen Publikum nahe zu bringen? Diese allgemeine aber ebenso grundlegende Frage stellt sich seitdem Objekte in privaten oder öffentlichen Institutionen präsentiert werden, unterliegt aber mehr denn je der Notwendigkeit einer umfassenden Reflektion – zumal in Zeiten einer kritischen Neuordnung der Institution Museum.

Was bedeutet es etwa, wenn ein renommiertes Museum wie das Kunstmuseum Basel kubistische Malerei und ausgestellte Masken unter dem Schlagwort „Der Primitivismus“ subsumiert und dies als Auftakt der räumlichen Gliederung und inhaltlichen Choreographie seiner umfassenden Kubismus-Schau wählt, dabei aber jegliche Diskussion und kritische Fragehorizonte im entsprechenden Begleittext desselben Raumes ausspart? Heute wissen wir, dass die Künstleravantgarde dieser Zeit aktiv in die umfassenden Ankäufe von Ethnografika involviert war und die Objekte eben nicht beiläufig in deren Besitz gelangten. Und damals wie heute gerinnen jene Artefakte nach wie vor zur Folie westlich-weißer Projektionen oder figurieren als Zentrum neuer Stereotypisierungen, etwa im Zuge politischer Debatten um Restitution. Wie steht es denn um das komplexe Verhältnis von Autorschaft, Adaption, Appropriation als fremd geltender Formensprachen, was historisch fundiert reflektiert und in die kolonialen Logiken und Ökonomien dieser Zeit eingebunden werden könnte? Auch ließe sich fragen, in welchem Verhältnis der künstlerische Umgang der Kubisten mit diesen Objekten zu heutigen kulturellen Aushandlungsprozessen steht. Denn die Figur des exotischen ›Anderen‹ und dessen kulturelle Produktion wird nach wie vor häufig unkritisch in die tradierte Bipolarität von naturnaher Primitivität und kultivierter Zivilisiertheit eingeordnet.

Der Titel „Kosmos Kubismus“ apostrophiert dabei einen äußerst weiten Horizont, die Museumswände sind aber beinahe ausschließlich mit männlichen, europäischen Künstlern bestückt. Reproduziert sich hier nicht vielmehr der geschlossene Zirkel einer homogenen Künstlerelite, die in einigen europäischen Metropolen zu einem spezifischen Zeitpunkt aktiv war? Was für ein kosmologisches Programm ist das?

In der Ausstellung begegnet uns eine fragmentierte Gitarre in gräulich-reduzierter Farbigkeit neben der nächsten, ein zerkerbtes Männerporträt neben dem anderen, ein verdrehter, entblöster Frauenrumpf neben der nächsten erdtonigen Landschaft und fraglos unzählige Weinflaschen. Daneben Fotos von Künstlern und Galeristen in den Ateliers der kritischen Kohorte selbstbewußter Künstleravantgarden. Ohne die künstlerische Leistung und Innovationskraft dieser Arbeiten in Abrede stellen zu wollen, wird kaum an tiefgreifende Fragen gerührt, die aber mit der Zeit der Avantgarden ganz ursächlich verknüpft sind. Denn wer arbeitet wie und mit welcher Motivation, zu welcher Zeit und auf welche Art und Weise, mittels welcher ästhetischer Prämissen, über wen oder was und warum? Kein Wort über die männlich dominierte Kunstszene, keine Kritik am Genie (sodass sogar in einer Rezension die „Genietaten“ Picassos beschworen werden, Süddeutsche, 11.4.19). Herkömmliche Mythen, die den kubistischen Kanon definieren, setzen sich fort: Picasso, Braque und Co als innovative Künstler, die sich gegenseitig inspirierten und im Aufbrechen der Formen Neues wagten, „die Sehgewohnheiten irritierten“. Das mag sein. Am Ende bleibt aber vor allem die Frage, warum die Chance verpasst wird in Anbetracht eines solchen Themas unsere heutigen Sehgewohnheiten zu stimulieren und zu irritieren – kuratorisch, museal, diskursiv? Denn irritierend sind letztlich die Momente des Ausbleibens von spannender, herausfordernder, tatsächlicher Irritation anhand des möglicherweise seinerzeit Kubistisch-Irritierenden.

Hätte das kuratorische Team einen Blick über den institutionellen Tellerrand geworfen, und sich nur wenige Meter entfernt im Basler Museum der Kulturen umgesehen – es wäre mitnichten unproduktiv gewesen. Mindestens der fragwürdig reduzierte Text im ersten Raum (zum „Primitivismus“) hätte danach wohl kaum derart schlicht bleiben können, werden im MKB doch derartige, komplexe Diskurse anschaulich vermittelt.

Wandtext in der Ausstellung “Wissensdrang trifft Sammelwut”, Museum der Kulturen, Basel. (Bild: Archiv der Autorin, 2019)

Das Museum der Kulturen in Basel besteht aus einem zurückgesetzten Altbau, dessen erweiterte Architektur von Herzog & de Meuron bereits anzeigt, worum es geht: Eine dunkle, wabenförmig gerasterte Urhütte mit wuchernden, schwebenden Stelzenbeinen hat sich wie ein unbekanntes Flugobjekt aufgepfropft auf den Rumpf des Basler Altbaus. Der darin sichtbare Anspruch, nämlich heterogene Techniken, Formen, Materialien, Farben in ein spannungsvolles Verhältnis treten zu lassen, wird im Inneren von den aktuellen Ausstellungen konsequent eingelöst. „Wissensdrang trifft Sammelwut“ überzeugt in vielerlei Hinsicht: Innovative Displays mit hellem Weiß, schrillem Orange und aufgebrochenen Vitrinen ohne Glas führen vor Augen, wie bereits mit einfachen Mitteln Tradiertes eine inhaltliche Schubumkehr erfahren kann. Bereits die eingangs an die Wand geplotterte Tabelle mit den Achsen „Zeitraum“ und „Objektzuwachs“ legt auf simple, aber gleichsam drastische Weise die museale Ankaufslogik vom 19. Jahrhundert bis heute offen.

In den minimalistischen Ausstellungsdisplays werden ungewohnte, spannungsvolle Objektkonstellationen präsentiert: Im Kontext von Ahnenkult und Tod wird ein aus Roms antiken Katakomben stammendes Skelett gezeigt, das im Barock als Gebein frühchristlicher Märtyrer ausgegeben, reich bekleidet, verziert und auf rotem Samt gebettet wurde, um in Küssnacht am Rigi als katholische Reliquie verehrt zu werden. Unmittelbar daneben ist der in den 1980er Jahren hergestellte Silikonabguss eines bereits restituierten, neuseeländischen Maori-Schädels zu sehen – allerdings nicht von der Vorder- sondern der Rückseite, ganz so, als wolle sich die Objektkopie selbst den Blicken verweigern. Und in der Nachbarschaft befindet sich sogar ein leerer Objektkasten, dessen Kurztext auf die aktuelle, bis dato ungeklärte Besitzlage eines „skull of jabo girl“ hinweist, der in den 1930er Jahren über die Kooperation eines australischen Missionars und Basler Zoologen für die Sammlung erworben wurde.

Rückseite einer Archivbox, die der Lagerung von Figuren dient. Ausstellung “Wissensdrang trifft Sammelwut”, Museum der Kulturen, Basel. (Bild: Archiv der Autorin, 2019)

Aktuelle Themen – etwa zu Ankauf und Sammlung, zu historischen wie gegenwärtigen Konstellationen von Wissenschaft, Museum, Politik oder spezifischen Objektgeschichten –, die diskutiert werden müssen, integrieren sich im MKB in die rahmenden Texte, die von einem kritisch nachdenkenden Gegenüber ausgehen und es herausfordern. Bereits die gewählte grammatikalische Form offen gestellter Fragen spiegelt paradigmatisch Dialogizität und Dialoginteresse.

Es versteht sich von selbst, dass die beiden genannten Basler Ausstellungen es mit je anderen Objekten sowie Sammlungs- und Erwerbsgeschichten zu tun haben und damit vor sehr unterschiedliche kuratorische Aufgaben gestellt sind. Aber sollte es nicht der zentrale Sinn und Zweck von kuratorischen Praktiken sein (insbesondere in Zeiten schwindender Besucherzahlen), sich eben diese grundlegende Ausgangsfrage zu stellen, um die Arbeit an und mit den Objekten zu realisieren: Was kann, darf, muss ein Museum als Ort gesellschaftlicher Relevanz wagen und was will es seinem Publikum zumuten? Wir sind es gewohnt vorgefertigte Antworten zu erhalten, aber herausfordernde Fragen zu stellen, sodass das Publikum mit geschärften Sinnen eine Ausstellung verlässt, ist wohl ungleich schwieriger. Fragen, die ins Innere der Ausstellungsthematik treffen, keineswegs nur Abgegriffenes wiederholen, sondern auch unbequeme Irritationen zulassen. „Wissensdrang trifft Sammelwut“ schafft genau dies.


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